Joaquín Chacón: «Buscando simplemente la belleza»

En esta entrevista a Joaquín Chacón, el guitarrista y compositor habla de Dreamland, un trabajo en el que busca la belleza, la naturalidad y la conexión emocional con el público. Conversamos sobre la decisión de dejar a un lado ciertas complejidades técnicas, los retos de tocar a solo y el diálogo entre guitarras acústicas y eléctricas.

El músico madrileño pertenece a la generación que creció al calor de las primeras escuelas y clubes de jazz de los años ochenta. En sus respuestas recuerda el aprendizaje junto a grandes referentes, su relación con Barry Harris y una trayectoria en la que interpretar, improvisar y enseñar se alimentan mutuamente.

Como contexto de este trabajo, la información de promoción de Joaquín Chacón destaca «Lawns in the Sky», una pieza de Dreamland que homenajea a Carla Bley y cuenta con el bajista Víctor Merlo.

Planeta28: ¿Cómo ha sido el proceso para asegurar que cada canción de Dreamland naciera desde la emoción y el corazón, sin caer en el exhibicionismo técnico?

Precisamente este trabajo ha sido un ejercicio de renuncia a complejidades técnicas, que en muchas ocasiones he buscado con el objetivo de estar en la onda actual del jazz más contemporáneo. Esta dirección me hacía dejar de lado mucho material que componía dejándome llevar, permitiendo que fluyera música sin intención previa de ningún tipo, debido a que el resultado final me parecía en muchas ocasiones demasiado sencillo. En un momento dado observé que cuando usaba algo de este repertorio en los conciertos la respuesta de público y músicos era muy positiva, supongo que por la honestidad con la que esa música había sido compuesta, por la naturalidad con la que había fluido en un ejercicio de conexión emocional conmigo mismo, permitiéndome no juzgarla ni encasillarla en ningún parámetro. A día de hoy asumo que este camino me está permitiendo ser sincero con lo que fluye cuando compongo y cuando toco, como decía antes sin juicios, buscando simplemente la belleza, la paz, y la conexión emocional con la audiencia a través de la música, compartir, y disfrutar de un viaje a ese mundo de ensueño que intento crear en este trabajo.

Planeta28: ¿Cómo has adaptado tus canciones antiguas al concepto de Dreamland?, ¿cuál ha sido la canción que te ha supuesto el mayor reto?

Tenía bastante material compuesto para tocar solo, pero sin acabar ni pulir, porque como comentaba anteriormente no estaba seguro de utilizarlo para ser grabado o tocado en directo. Esto unido al reto que supone plantearse un concierto a solo había sido un impedimento para desarrollar esa idea. Simplemente tomé la decisión de dar un paso a un territorio nuevo en mi carrera, por la formación y el material que quería usar, y a partir de ahí ha sido un trabajo de dar forma a cada tema, acabando de rematar los arreglos, finales, intro, partes, etc., buscando coherencia en el conjunto, que fuera un trabajo conceptual.

Quizás el tema que ha supuesto más trabajo, o reto, ha sido “SATETSU”, pensado originalmente como un tema “rubato”, sin tempo definido, en el que texturas de guitarras acústicas se mezclan, y dejan un espacio a un solo con guitarra eléctrica, usando loopers como base. La armonía se sucede sin tempo, y el solo va siguiendo esas armonías, a la vez que la base se mezcla en sucesivas capas de guitarras. Es un concepto muy atractivo, que me apetecía explorar, y que representaba un reto importante.

Planeta28: ¿Qué equipo has utilizado para la grabación (guitarras, previos, amplificadores, efectos…)?

De guitarras he usado una guitarra acústica Bourgeois slope D, una española Ramirez, y dos eléctricas una Gibson Les Paul del 2009, y una PRS Hollow body. La acústica y la española grabadas con micro, buscando el sonido más natural posible, y las eléctricas pasadas por una reverb TC Electronics Hall of Fame, un Delay analógico Retrosonic vintage vibes, y un booster MXR micro amp, conectadas a un amplificador Fender de válvulas.

Trabajamos bastante buscando el equilibrio de las tímbricas acústicas y eléctricas en la mezcla, jugando con los panorámicos del estéreo, y creo que el resultado es muy bueno, al menos yo estoy muy satisfecho con el sonido general.

Planeta28: Te formaste en los años ochenta, en plena eclosión de los primeros festivales y escuelas de jazz en España. Mirando atrás, ¿cómo crees que el espíritu de los ochenta moldeó tu identidad como músico en comparación con las generaciones actuales?

En esa época había una ebullición enorme a nivel musical y cultural, muchas salas, la posibilidad de tocar con muchos proyectos, giras con músicos de renombre, etc. Tal vez no teníamos tanto acceso a información, grabaciones, y materiales de formación como hay ahora. Internet, redes etc., han multiplicado enormemente estas posibilidades, sin embargo estábamos más inmersos en sesiones, ensayos, proyectos, que en ese momento era más sencillo poner en directo dado que éramos menos músicos, y había más lugares donde tocar en prácticamente todo el territorio, con más facilidad para la movilidad. De alguna forma el perfil del músico de Jazz de estas últimas generaciones es un poco diferente en ese sentido. Lo comento con músicos jóvenes, antes teníamos menos acceso a discos, libros, etc., pero lo que teníamos lo conocíamos muy a fondo. La facilidad de acceso a la información creo que debilita el aspecto de profundización, tanta oferta hace que la aproximación a la información sea más superficial según mi opinión. En cualquier caso lo vocacional y la pasión por la música sigue siendo común a todas las generaciones.

Planeta28: Has estudiado y tocado con gigantes internacionales de la talla de John Abercrombie, Dave Liebman y Al Foster. ¿Cuál ha sido la lección más valiosa —ya sea musical o de vida— que te dejó compartir escenario o aula con estas leyendas del jazz?

En primer lugar la magia de poder comunicarse en un lenguaje común con personas que no conoces. Eso es algo característico de esta música, que para mí tiene un enorme valor. Sin mediar palabra podemos tocar música dado que conocemos ese lenguaje y podemos comunicarnos a través de él.

También la profunda entrega y empeño en crecer y desarrollar ese lenguaje, compartir aula o escenario con músicos de ese calibre es una motivación enorme, que alimenta el deseo de seguir trabajando y avanzando. Simplemente el hecho de tocar con músicos que admiras y que son referentes es una lección de un valor enorme, que aporta un aprendizaje difícil de explicar, pues es algo interno, captar cómo lo hacen, e intentar imitarlo, y fluir en ese proceso.

Si he de citar alguna experiencia tengo un grato recuerdo y un enorme agradecimiento a Barry Harris, con el que mantuve el contacto durante más de veinte años, en los que recibí de él la herencia del Jazz, de la mano de uno de sus intérpretes más emblemáticos. A él le considero en este sentido maestro y mentor.

Planeta28: Con catorce discos propios, giras mundiales y tres libros didácticos enfocados en el Be-bop, la armonía y la composición, ¿cómo conviven en ti el Joaquín Chacón intérprete/improvisador y el Joaquín Chacón pedagogo? ¿Se alimentan mutuamente o requiere cambiar de chip?

Para mí ambas facetas están interrelacionadas, me parece de enorme importancia conocer lo que se enseña por practicarlo de forma real. En una disciplina como el Jazz el perfil de músico en activo y docente es muy común.

Personalmente aprendo mucho de impartir clase, ya que me obliga a estar formándome y actualizándome constantemente, y también a profundizar en cómo compartir ciertos conocimientos, la manera de transmitir de una forma clara que te obliga a tenerlo claro previamente. Es un proceso de lo más interesante y gratificante, acompañar en el proceso de formación. Para mí la docencia es algo muy vocacional, de lo que disfruto muchísimo, de ahí que haya empleado tiempo en desarrollar materiales de formación, después de muchos años de impartir clase, y de muchas experiencias musicales de las que he aprendido mucho. A día de hoy son actividades complementarias y después de tanto tiempo, en mi caso, no concibo una sin la otra.

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